20. /\/\/\Y/\ – M.I.A.

19. Plastic Beach – Gorillaz

18. Night Work – Scissor Sisters

17. One Life Stand – Hot Chip

16. LP2 – Los Punsetes

15. Heartland – Owen Pallett

14. Volume Two – She & Him

13. This is happening – LCD Soundsystem

12. Contra – Vampire Weekend

11. Lo nuevo – Astrud i Col·lectiu Brossa

10. El paso trascendental del vodevil a la astracanada. Antología de canciones de ayer y de hoy- Fangoria

Efectivamente. Quizá no se merezca un puesto tan alto pero los sistemáticos ataques que recibe este disco me hacen reivindicarlo un poco más fuerte. Si algo se puede decir de Fangoria, es que siempre han hecho lo que les ha dado la gana (¿vamos al Sónar? Vamos al Sónar. ¿Vamos a Sálvame? Vamos a Sálvame) y no se avergüenzan de nada. Como a todos, el concepto de Astracanada me horrorizó. Pero al escucharlo varias veces he aprendido a disfrutar de las revisiones, necesarias o no, que ofrecen de Dinarama y Pegamoides.

9. Go – Jónsi

Es curioso: nunca me han gustado Sigur Rós. Me aburren. Por eso empecé a escuchar este disco con desgana. Pero Jónsi me atrapa en solitario como nunca lo ha conseguido con su banda. Me imbuye en esas canciones preciosistas con el mínimo esfuerzo, y el disco se me sigue haciendo corto.

8. Head First – Goldfrapp

Goldfrapp era una de esas bandas que te gustan lo suficiente como para tener sus discos en iTunes pero no lo suficiente como para escucharlos regularmente. Hasta este disco. Alison y Will Gregory me han hecho bailar con temazos como ‘Rocket’, ‘Believer’ y ‘Alive’ (las tres potentes primeras pistas del álbum) y he disfrutado de su música como nunca.

7. Epés reunidos – The New Raemon

Nadie duda de que Ramón Rodríguez es uno de los valores de la música alternativa del panorama nacional, sobre todo después de aquel maravilloso A propósito de Garfunkel. El EP parece ser, con todo, el formato predilecto de The New Raemon, que tuvo a bien unir tres de ellos en este disco, en el que también nos regalaba dúos y versiones de otros artistas. La voz sedosa de Ramón y sus letras desencantadas me siguen conquistando.

6. Gloria y la belleza sureña EP – Francisco Nixon & Ricardo Vicente

Si Ramón Rodríguez es un valor al alza del indie estatal, Francisco Nixon es una estrella consagrada que sigue brillando con luz propia. Nixon firma junto a Ricardo Vicente este EP de seis canciones redondas: veinte minutos de música gloriosa.

5. Tierra, trágalos – Klaus & Kinski

Como ya le dediqué una audiocrítica a este magnífico disco, solo me veo en disposición de volver a alabar su eclecticismo, sus letras (a veces dificilmente audibles) y ese descarado gusto de Klaus & Kinski por el pasodoble o el bolero. En directo, además, son geniales.

4. Congratulations – MGMT

Otro disco que también cuenta con su audiocrítica. MGMT apostaron muy fuerte por un cambio de concepto respecto a Oracular spectacular, que les costó dejarse en el camino a miles de fans y buena parte de la crítica. Sin embargo, el segundo disco del dúo es infinitamente mejor que el primero, aunque obviamente no tienen nada que ver entre sí. Frente a la composición rápida y caprichosa de su debut, Congratulations es un disco maduro, coherente y lleno de temas deliciosos como ‘It’s working’ o ‘Brian Eno’.

3. Ay… – Nacho Umbert y la compañía

Muy poco se ha hablado de este disco en los medios especializados y nada en los generalistas, pero Ay… es el mejor álbum nacional del año. Temas contenidos e introspectivos, unidos a la voz grave y melodiosa de Nacho Umbert y, sobre todo, unas magníficas letras, hacen un disco redondo que nunca será suficientemente reivindicado. Cada canción es una historia narrada desde el costumbrismo más salvaje, pero dotada de la sensibilidad precisa para dotarla de credibilidad sin caer en el tópico. En fin, una delicia.

2. Tourist History – Two Door Cinema Club

¿Cuál ha sido el disco para bailar de 2010? Sin duda éste. Me ha sorprendido no verlo en ninguna de las listas de los medios que ya han salido, ¿a nadie le gusta Tourist History? Desde que apareció a principios de año se ha revelado como un álbum muy agradecido, que mejoraba con cada escucha, pero sobre todo que sabe cómo levantar el ánimo con ese ritmo frenético que impone en sus escasos treinta minutos de duración. Indispensable en cualquier fiesta pinchar ‘What you know’ o ‘Something good can work’.

1. The Suburbs – Arcade Fire

¿No es ninguna sorpresa, verdad? Arcade Fire es mi grupo favorito en activo, y tengo la sensación de que me gustará cualquier cosa que hagan. Pero es obvio que ninguna otra banda puede contar, al presentar un disco, con un bagaje como los increíbles Funeral y Neon Bible. Entonces van los de Win Butler y crean The Suburbs, una maravilla de dieciséis canciones que pasan por el postpunk (‘Month of may’) o el synthpop (‘Sprawl II’) pero sin romper con las líneas generales de sus anteriores trabajos. Un disco perfecto. Y en directo, la bomba.

PD: De regalo, esta lista de Spotify, con las mejores canciones de estos y otros discos que se han quedado fuera. La lógica de la lista es exponencial: empieza con los temas más bajoneros y acaba por todo lo alto. Mu rico.

Museo Coconut es mala. Decir otra cosa es mentir. Ese humor surrealista y absurdo al que acostumbran, no es que no funcione necesariamente en un modelo sitcom, es que ha ido perdiendo calidad con el tiempo. Cada vez buscan salidas más fáciles (cuando los dobles negros empiezan a bailar me dieron ganas de llorar). Además, puede que el humor de esta gente se base en la repetición, pero eso no les legitima a hacer los mismos chistes indefinidamente (“te huele la boca como a un perrete chico”). La prima vez tuvieron gracia. La segunda también, y la tercera. Pero ya no.

El pésimo guión no es lo único que falla en Museo Coconut. Personalmente, me descoloca que todos los personajes vayan tan toscamente caracterizados. El pelucón y el travestismo (aunque Miss Coconut es quizá lo mejor de la serie) estaban bien en Muchachada Nui, como están bien en cualquier programa similar, pero en una sitcom no terminan de encajar. Visualmente, Museo Coconut es un sketch de 25 minutos, lo cual precipita la comparación con La Hora Chanante y Muchachada. Y claro, Museo Coconut sale perdiendo.

Con todo, el aspecto más polémico son las risas, enlatadas o naturales, que salpican con insistencia la serie. Al estar grabada en directo, probablemente sean todas reales, pero es cierto que se cansan y a veces resulta patético tanta risotada en algún chiste tan malo (¿aunque quién no se reiría teniendo a Carlos Areces a unos metros?). Y en cuanto a los personajes, todo es reciclaje. En algunos casos más directo (¿que pinta Onofre de Smonka ahí?), pero todos han aparecido en Muchachada antes, algunos incluso con una caracterización muy parecida (el director del Museo es Philip Max).

No obstante, la audiencia de Museo Coconut fue muy buena. ¿Lo será la semana que viene? Me atrevo a decir que no. A los fans nos la cuelan una vez, pero no más.

La fascinación que sentimos hacia estos personajes es un buen ancla para ver Last days (Gus van Sant, 2005), inspirada en los últimos días del cantante de Nirvana,  o esta Control, biopic que retrata la vida de Ian Curtis desde su entrada en Warsaw, génesis de Joy Division, hasta su muerte. Con un protagonista de semejante calaña, Anton Corbjin lo hubiera tenido fácil para convertir la película en un enorme videoclip de dos horas con abundantes escenas de sexo, drogas y rock&roll.

Afortunadamente no es el caso. Control es, sobre todo, un esbozo intimista de la mente de un muchacho perturbado, que hace todo demasiado rápido y al que las cosas nunca acaban de salirle bien. Su matrimonio es un fracaso, cree a su hija condenada a odiarle, el éxito de la banda le ahoga en un mundo insalubre y unos fuertes ataques epilépticos ponen la puntilla a una vida oscura y llena de sufrimiento. ¿Cómo no retratar todo esto sin caer en la salida fácil, sin traicionar al personaje, motor inmóvil de su propia desdicha?

Pues como lo hace Control, apostando por la elegancia. Una elegancia de fondo que salpica la forma, de un exquisito blanco y negro, donde la luz nos guía en un mundo con demasiadas sombras. La implosión de Curtis es reflejada en inmóviles planos del cantante con el rostro desencajado. Nada de hacer evidentes sus tenebrosas adicciones y comportamientos: un párpado medio caído nos habla más de la penitencia del personaje que escenas demasiado explícitas.

Claro que esta apuesta por la sobriedad discursiva no es factible sin la actuación contenida pero profunda de Sam Riley, que se enfunda en la piel de Curtis con tal habilidad y con tan asombroso parecido que tras ver Control, los rostros de actor y cantante tienden a confundirse en la mente del espectador. Aunque tal contingencia expresiva puede confundirnos a la hora de saber qué pasa por la cabeza del atormentado Curtis. Pero es un efecto a todas luces buscado, si atendemos a las historias de amor con su mujer y con su amante. Estamos tan confundidos sobre la dueña de su corazón como probablemente lo estaría el joven cantante.

Y al final, de un modo o de otro, como profetizó Ian Curtis en la más famosa de sus letras, el amor nos destrozará otra vez.

Para culminar el año académico, he elaborado una lista de 30 canciones que, de maneras diversas, me han acompañado este tiempo. Algunas han sido imprescindibles en las Maryhouse’s parties; otras me han ayudado en momentos de bajona, e incluso hay una (la última) que interpretamos con un éxito abrumador en el karaoke de la avenida de Aragón.

Espero que disfrutéis de este conjunto de canciones como lo he hecho yo este año. ¿Dónde está la lista, la lista? Está aquí.

Bye, bye, y hasta otro ratito ¿eh?

Recuerdo que empecé a ver LOST doblada. Debí ver al menos los primeros diez capítulos en su versión castellana. Y había algo que me decía que no estaba disfrutando de la serie al máximo. No hice pereza, y volví a empezar esta ficción, pero en versión original. “Ahora sí”, pensé; había empezado a gozar de la serie de verdad. En el caso de una serie tan exitosa como LOST, es muy fácil que los elementos externos te arruinen su visionado: fans demasiado exigentes, los activistas anti-lost metiéndose contigo, el cansancio de oír hablar de ella a todas horas, etc. Con el capítulo final había de pasar lo mismo. La situación no era ni mucho menos la propicia para darle el estoque a la serie de forma decente: era muy temprano, los subtítulos eran a veces asincrónicos y, sobre todo, nos perdimos seis minutos fundamentales de ‘The end’. No es de extrañar, por tanto, que las circunstancias se impusieran y volcáramos nuestra frustración con los guionistas y productores de LOST.

See you in another life, brother.

En LOST, Giacchino ha sabido crear ambientes muy distintos gracias a sus composiciones. Todos los fans de la serie tenemos grabados los momentos de tensión, o de acción, en los que la música jugaba un papel fundamental. Pero hay una pieza que recordaremos por encima de todas las demás. Se trata de la que suena en lso momentos más tristes. Se llama “Live and death”, y a quien haya visto la serie, le traerá muchos recuerdos desde el primer segundo:

Pues bien. Hay un usuario de Youtube, llamado Goldentusk, que se dedica a hacer homenajes/versiones/parodias de temas conocidos del cine y la televisión. Desde Indiana Jones a Superman. Y este tema de LOST también le ha servido de inspiración para uno de sus divertidos vídeos. No tiene subtítulos, pero es muy fácil de entender. Lo mejor son los disfraces que utiliza para caracterizarse de distintos personajes de LOST, como Jack o Desmond:

Pero como me he propuesto decidirme por uno, he de quedarme con mi querido Benjamin Linus. Ben llegó en la segunda temporada sin que supiéramos de dónde, y en las siguientes ha sido uno de los ejes fundamentales de la trama. Sus permanentes ojos alucinados y sus no-cejas nos han estado torturando desde entonces. Ben ha pasado durante este tiempo de la práctica omnipotencia a ser un apátrida sólo guiado por su bien particular. Es la persona más mezquina de la isla, y por eso no le ha ido mal. O no tan mal, teniendo en cuenta que al pobre le pegan capítulo sí capítulo no. Pero siempre se recupera.

Está acostumbrado a tener el poder, y a ejercerlo de manera despótica. Aunque en las distancias cortas siempre se ha mostrado cobarde e inseguro. Sigue siendo ese niño pardillo que llegó a la isla con la iniciativa Dharma. Últimamente le habíamos extrañado mucho: en la secta temporada se había dedicado a seguir al grupillo de losties soltando de vez en cuando un comentario chistoso. Pero en ‘What they died for’ volvió Ben más Linus que nunca: matando, traicionando, engañando. En definitiva, sobreviviendo.

Y, en el fondo, todos sabemos que Ben es una buena persona. Lo ha demostrado en los sideflashes: el Dr. Linus es un hombre íntegro, admirable, dispuesto a ayudar a Álex y a Locke en todo. Ben, en cambio, es lo que la Isla ha dejado de ese hombre. Espero sinceramente que en el último episodio se redima, porque lo necesita. Lo necesita desde el momento en que, como siempre, creía tener el control. Pero algo falló:

Tengo la sensación de que Benjamin acabará salvando el día en algún momento de ‘The End’, pero eso no lo sabremos hasta las 6.30. Sé que acabará del lado de los buenos, porque se lo debe a Jacob, a Locke (a quienes mató), se lo debe a Álex y, sobre todo, al Dr. Linus.

El final ha llegado. Después de seis años siguiendo las aventuras y desventuras de unos personajes que se han convertido en parte del imaginario colectivo del siglo XXI, todo ha acabado. Como era de esperar, el último episodio de LOST ha desatado pasiones y sentimientos encontrados. Si hay algún sentimiento que prima entre los fans, es la tibieza, la frialdad incluso (que puede ser más perjudicial que el honesto enfado). Se esperaba mucho de la series finalede la serie de JJ Abrams, ¿ha estado a la altura?

Rotundamente no. El doble capítulo 6×17 y 6×18 ‘The End’ puede que sea un buen episodio, pero no es el gran episodio que una serie como LOST debe ofrecer para congraciarse con sus millones de fans y otorgarles unos momentos inolvidables. Cuse y Lindelof tenían todas las herramientas para guiar al espectador por un camino emocionante. Han demostrado que saben hacerlo, sobre todo en el 6×14 ‘The candidate‘. Y parecía que con ‘What They died for‘ (6×16), antesala del gran final, iban a conseguirlo. Pero no ha sido así.

Los fans comprendemos (con reservas) que los guionistas no hayan tenido tiempo para responder las cientos de preguntas que se han ido acumulado en las seis temporadas, y tampoco esperábamos un discurso enciclopédico sobre el origen, presente y futuro de la isla. Pero hemos echado en falta un par de respuestas firmes en las que poder apoyarnos para interpretar todo lo demás. La conversación entre Jack y su padre en la iglesia, la parte más aclaradora del episodio, ha concedido una respuesta vaga que nos explica la realidad paralela. ¿Pero dónde está esa realidad donde todos han muerto? ¿Es una alucinación de Jack? ¿Es un ciclo espacio-tiempo diferenciado? ¿Es una especie de purgatorio?

Y en la isla, la vida continúa. Es un gran acierto que el nuevo protector sea Hugo, esa representación de todos los fans dentro de la serie: el legado de LOST es todo nuestro, y nosotros continuaremos protegiendo la isla. Jack se sacrifica para salvarlos a todos, cumpliendo con el destino que tenía desde el primer capítulo, y que ha ido descubriendo a lo largo de la serie. El cierre circular de LOST, aunque quizá sea un recurso barato para una serie de estas condiciones, ha resultado efectivo. Sobre todo, la aparición de Vincent. Aunque es triste que un perro nos haya emocionado más que todos los personajes humanos.

Aventurándonos a arrojar una opinión totalizadora antes del necesario segundo visionado (y más después de la deficiente emisión de Cuatro), creemos que a ‘The end’ le ha faltado épica. Era muy fácil conseguir que los seguidores lloráramos desconsolados ante el final de una serie que se ha convertido en parte de nuestra vida. Han desaprovechado una oportunidad irrepetible de hacer historia de la televisión. Esto a un nivel puramente discursivo: hace mucho que renunciamos a entender el universo lostiano. Nos parece una opción legítima. No tienen porqué explicarnos la lógica de un mundo que no es el nuestro, porque desde el primer momento se han limitado a contarnos una historia que sucede en ese mundo. Pero sí necesitábamos los cimientos de la estructura de la narración, y nos hemos encontrado con un espacio confuso de interacciones que no podemos entender.

Los anales televisivos recordarán el final de Six feet under con emoción, el final de The Sopranos con furia, el final de Friends con tristeza. Pero el final de LOST ha causado más tibieza que otra cosa. ¿Será recordado?